A la rencontre de Georges Haldas de Collectif

Editeur :          

       L'Age d'Homme

Pages :

   ISBN / EAN :

2825129747

9782825129746

 État : 

NEUF

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Oui – Disponible

19,00 €

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  • SOUS 48 H1

Theatre Libere de Alexandre Tairov

Editeur :          

       L'Age d'Homme

Pages :

   ISBN / EAN :

282513306X

9782825133064

 État : 

NEUF

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Oui – Disponible

19,00 €

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Peter Sellars : Les Voies de la création théâtrale

·       Éditeur :  

Editions CNRS

·       Pages :

447 pages

·       ISBN / EAN :

9782271061089

·       État : 

NEUF

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RÉSUMÉ:

Enfant terrible ou prodige des scènes contemporaines, frondeur pour certains, brillant pour d'autres, Peter Sellars a suscité la controverse dès ses premiers spectacles dans les années 1980 : l'actualisation des références redorait les classiques patinés du théâtre et vivifiait les conventions figées de l'opéra. Mais par-delà cette évidence immédiate, sa pratique de la mise en scène signifie avant tout une mise en cause des valeurs culturelles ainsi que des habitudes perceptives. La création y est inséparable de la critique, et l'art indissociable de sa fonction existentielle. L'invention dans l'ordre esthétique décrit une intervention dans la vie de chaque spectateur.

Encore ouverte sur son avenir, l'oeuvre de Sellais se nourrit de l'expérience de ses contemporains, résonne de la mémoire humaine et s'épanche dans un univers transcendant. Toutefois, le partage apparent entre un versant politique et un pan spirituel n'en occulte pas la profonde continuité. Et loin de n'être que des contradictions mal assumées, les bifurcations entre l'institution et ses marges, l'oscillation entre l'Amérique et l'Europe, les ponts lancés entre les arts, les rapprochements opérés entre les cultures, la friction de traditions séculaires et de technologies de pointe dégagent une pensée globale du théâtre : une pensée qui s'éprouve en acte pour réfléchir - refléter et interroger - le monde actuel dans sa complexité. Elle ne réduit pas ; elle relaie, relance, élargit. Elle questionne sans affirmer et stimule une multiplicité de dialogues sans clôture.

À ces questions, le lecteur ne saurait trouver de réponses définitives dans cet ouvrage qui rassemble des études effectuées par une équipe de collaborateurs français et anglophones, ainsi que des inédits du metteur en scène et des témoignages de ses proches collaborateurs. Mais il peut attendre une invitation à prolonger les dialogues par l'écrit et l'image - et y entendre un écho de leur ardente nécessité pour l'art et la société de demain.

49,70 €

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Un Cycle Du Théâtre Religieux Anglais Au Moyen Age - Le Jeu De La Ville De N Claude Gauvin

·       Éditeur :  

Editions CNRS

·       Pages :

436 pages

·       ISBN / EAN :

9782222015666

·       État : 

NEUF

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RÉSUMÉ:

L'un des quatre grands cycles qui constituent le théâtre médiéval anglais. Eclaircissement des mystères posés par cet ensemble. Les conditions de sa représentation, la mise en scène, la dramaturgie, la formulation des lois de genre. Une théorie de ce théâtre.

59,00 € 2

44,00 €

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Écrire Pour Le Théâtre - Les Enjeux De L'écriture Dramatique Marie-Christine Autant-Mathieu

·       Éditeur :  

Editions CNRS

·       Pages :

199 pages

·       ISBN / EAN :

9782271053381

·       État : 

NEUF

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RÉSUMÉ:

"Ecrire est un acte qui dépasse l'œuvre", disait Roland Barthes. C'est particulièrement vrai au théâtre, lieu par excellence de l'écriture ouverte, où les auteurs mettent à l'épreuve du direct leur rapport à la langue, à la culture, au monde. En investissant aujourd'hui tous les champs de l'écrit, ils inventent de nouveaux modèles, créent de nouvelles "propositions de théâtre", affirment et imposent une pluralité d'écritures, reconnue aujourd'hui comme la marque de la modernité. Etant donné leur extrême diversité, les œuvres dramatiques contemporaines ne peuvent constituer un genre : les critères permettant de les regrouper n'existent pas, n'existent plus. Le pluriel souvent utilisé signale que le champ d'application des écritures dramatiques n'est plus clairement délimité. Mais si les marques de la théâtralité disparaissent des textes du théâtre contemporain, une qualité de plus en plus subtile et peut-être encore nécessaire demeure : l'efficacité dramatique, ce qui fait que le texte a été conçu et écrit pour être vu et dit, et ce qui le situe du côté du théâtre et non du côté de la littérature.

26,00 €

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Les Voies de la création théâtrale : Strehler

·       Éditeur :  

Editions CNRS

·       Pages :

396 pages

·       ISBN / EAN :

9782222041825

·       État : 

NEUF

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RÉSUMÉ:

Au début de ce siècle, Meyerhold est l'un des hommes qui, pour Louis Jouvet, " incarnent le mieux l'idée qu'il est permis de se former du metteur en scène ". Expérimentateur obstiné, polémiste hardi, il choisit, dès 1918, le camp de la Révolution, mais engage avant tout sa vie dans le théâtre. Initiateur en 1920 de l'Octobre Théâtral, il est exécuté en 1940, victime de la répression stalinienne. Son œuvre est inséparable des courants d'avant-garde qui revitalisent les scènes européennes, mais demeure profondément nationale. Autour de lui, des écrivains et poètes russes : Gogol l'inspirateur, Blok, Maïakovski,

Erdman récemment redécouvert après des années d'occultation, et des compositeurs tels que Glazounov, Gnessine, Chostakovitch, Prokofiev... Du symbolisme au constructivisme, à travers une réflexion sur la convention, le grotesque, le théâtre de foire, la commedia dell'arte, le théâtre oriental, le parcours de Meyerhold est aussi riche que complexe. Ses contradictions sont celles d'un créateur qui, fidèle à ses options fondamentales, ne s'en remet pas moins en question à chacun de ses spectacles. À travers l'analyse de ses grandes mises en scène - spectacles quasi légendaires - La Baraque de foire, Le Bal masqué, Le Cocu magnifique, La Forêt, Le Mandat, Le Revizor -, Béatrice Picon-Vallin dégage les processus de la création théâtrale, donne à voir le travail du metteur en scène avec le texte, l'acteur, l'espace. Elle interroge les rapports étroits et évolutifs que le théâtre de Meyerhold entretient avec les arts plastiques, le cinéma, la musique. Ce livre fait découvrir une œuvre aussi exigeante à l'égard d'un acteur polyvalent et d'abord musicien, qu'à l'égard d'un spectateur dont elle requiert l'active collaboration. Une œuvre dont on a pu dire qu'elle a donné " des racines aux théâtres de l'avenir "

47,16 €

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L'assise Du Theatre - Pour Une Étude Du Spectateur, Marie-Madeleine Mervant-Roux

·       Éditeur :  

Editions CNRS

·       Pages :

265 pages

·       ISBN / EAN :

9782271056078

·       État : 

NEUF

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RÉSUMÉ:

Qu'est-ce que le spectateur pour les gens de théâtre ? " Le premier partenaire de l'acteur " (Max Reinhardt), " le qua trième créateur " (V. Meyerhold), " le troisième bonhomme " (J. Vilar), " un protagoniste, le protagoniste " (G. Strehler)... Ces formules doivent-elles être prises au pied de la lettre ? L'assistance aurait-elle dans la présentation dramatique une réelle puissance d'intervention ? Si oui, quelle puissance ? Et par quel mode d'intervention ? Confrontant approches anthropologique, historique et esthétique, cet ouvrage propose des éléments de réponse à des questions qui touchent au coeur de l'art public qu'est toujours le théâtre. Il complète ainsi, grâce à une démarche volontairement inversée où l'hémisphère obscur est mis au premier plan, les recherches exposées dans la série Les Voies de la création théâtrale, prioritairement dédiée au théâtre des créateurs. A travers des études de terrain effectuées entre 1986 et 1994 dans une vingtaine de salles, toutes classiquement organisées et frontalement disposées, pendant les représentations d'Elvire-Jouvet 40 (monté par B. Jaques), d'Hamlet (P. Chéreau), d'Iphigénie à Aulis (A. Mnouchkine) et d'autres spectacles signés A. Françon, J. Lassalle, J. Lavelli, T. Kantor, B. Sobel, F. Tanguy... ou créés par des amateurs, on voit se dessiner le pôle spectateur dans son lien mouvant à la scène. Il est un " rideau de visages ", une " plaque sensible ", le grand " résonateur " de l'action dramatique. On découvre la géographie cachée du theatron : trois grandes zones rendent cet espace structurellement multidimensionnel, une forte dissymétrie dynamise son équilibre. On suit in vivo l'exercice de ce qui est bien une fonction herméneutique, permanente, quasi muette, immédiatement efficace : le " regard spectateur " s'entend. Par l'observation attentive des représentations, par l'analyse des enregistrements sonores, par l'étude des silences et des très simples bruits des salles s'éclaire, se vérifie, s'affirme ce que disent les comédiens et les plus grands praticiens : le public a sa part dans la grâce du théâtre, dans sa force esthétique elle-même. Il est la chair de l'émotion.

39,50 €

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Le Constructivisme Au Théâtre ; Christine Hamon-Siréjols

·       Éditeur :  

Editions CNRS

·       Pages :

368 pages

·       ISBN / EAN :

9782271062376

·       État : 

NEUF

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49,00 € 2

45,00 €

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A la rencontre de Sacha Guitry de Jean-Laurent Cochet, Alexis Lavis et Fabrice Luchini

 

 

•   Éditeur : Editions  Oxus;  128 pages 

•   ISBN :9782848981253

•   État : NEUF– sous blister

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RÉSUMÉ:

“Guitry contient tout ! Il a tout fait : dessinateur, inventeur de publicités ; tout écrit, de la saynète à l’épopée, tant au théâtre qu’au cinéma où il fut un pionnier de génie (Orson Welles reconnaissait devoir son Citizen Kane au Roman d’un tricheur). Comédies de caractère, vaudevilles, comédies musicales, tragédies (Pasteur, Un sujet de roman) ; il a été toute sa vie le symbole d’une France éclairée et libre.” Qui est Guitry, quelle est sa place dans le théâtre français, comment joue-t-on du Guitry ? Autant de questions auxquelles Jean-Laurent Cochet se plaît à répondre en livrant, à l’aide de ses souvenirs et de sa science du théâtre, un portrait personnel d’un des derniers grands auteurs français. Préface de Fabrice Luchini ! Jean-Laurent Cochet, né en 1935, ancien sociétaire de la Comédie-Française, a voué toute sa vie au théâtre, comme comédien, metteur en scène et professeur. Toujours sur les planches et auprès des élèves du fameux Cours Cochet, il a formé toute une génération d’acteurs tels Gérard Depardieu, Fabrice Luchini, Isabelle Huppert, Richard Berry ou encore dernièrement Stéphane Guillon. Sa rencontre avec Sacha Guitry a eu lieu dès l’enfance. Il a joué et monté un grand nombre de ses pièces

 

15,20 € 2

10,00 €

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Le Film De Théâtre ; Collectif

·       Éditeur :  

Editions CNRS

·       Pages :

286 pages

·       ISBN / EAN :

9782271054555

·       État : 

NEUF

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Oui – Disponible

 

RÉSUMÉ:

ien ne remplace l'expérience de la scène et du public assemblé, face à elle ou autour d'elle, et que le spectacle constitue en communauté. Pourtant, le film de théâtre a sa place dans le paysage artistique contemporain où théâtre et cinéma s'interrogent mutuellement, mêlant leurs inquiétudes, au cœur d'un monde éclaté, où les frontières entre les arts se brouillent, comme chaque fois qu'une crise de civilisation se double d'avancées technologiques. Filmer le théâtre concerne la scène et sa mémoire, et cette activité est capable de produire un des avatars de l'existence multiforme d'une œuvre théâtrale — de la pièce à la scène, d'un plateau à l'autre, de l'intérieur au plein air, du petit au grand écran. Mais filmer une mise en scène concerne aussi le cinéma, en tout cas celui dont le statut est aujourd'hui remis en question par la dictature du "visuel" et qui participe d'une résistance à l'uniformisation. Si le spectacle de théâtre est irreproductible dans son immédiateté, il est aussi, comme tout objet, différent de son image. Filmer un spectacle signifie donc créer non pas un double, mais un objet nouveau. Ce constat évident ne doit pas interdire au "filmeur" de poser calmement ou passionnément sa caméra — 35 ou 16 mm, vidéo — sur la scène et les acteurs, de se confronter au plateau, d'en devenir complice ou de témoigner pour les deux arts, celui de la scène, celui des images. Ce livre étudie l'œuvre et les stratégies de quelques "passeurs" des années quatre-vingt/quatre-ving-dix, hommes de théâtre et de cinéma qui cherchent des moyens — toujours différents — pour traduire, "déplacer" le spectacle du plateau à l'écran, ou qui croisent les deux pratiques dans l'organisation même de leur travail de création.

44,00 €

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Les Voies de la création théâtrale, numéro 20 : Iouri Lioubimov, La Taganka

·       Éditeur :  

Editions CNRS

·       Pages :

460 pages

·       ISBN / EAN :

9782271054968

·       État : 

NEUF

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Oui – Disponible

 

RÉSUMÉ:

Nommé directeur artistique du Théâtre de la Taganka à Moscou en 1964, louri Lioubimov est l'un des metteurs en scène, les plus significatifs des décennies 60-70. L'histoire de la Taganka constitue alors à la fois un moment capital de l'histoire du théâtre et de la société russes et Soviétiques, et un cas représentatif du théâtre de résistance dans les pays communistes. La distance est aujourd'hui propice pour y revenir : ni trop près, ni trop loin encore de ce théâtre " effervescent " qui, au début des années 90, après les transformations à l'Est, perdit sa raison d'être, malgré le retour de son directeur, destitué et exilé, en 1984. Les traces sont nombreuses et les témoins vivants, ce qui permet l'enquête avant l'analyse. L'enthousiasme s'est apaisé, mais la formidable aventure théâtrale n'a pas sombré dans l'oubli ni dans les querelles intestines qui, en 1992, ont abouti à la division de la troupe, en deux. La scène poétique et politique de, Lioubimov permet d'aborder des problèmes esthétiques spécifiques : celui d'un théâtre " sans pièces ", montage de textes en prose, classique ou contemporaine, celui de la mise en scène " métaphorique ". Mais dans la mesure, où sa pratique, est déterminée par les rapports entretenus avec le pouvoir, l'idéologie, les instances de censure, la dissidence, et surtout par la relation essentielle, vitale, que la Taganka tisse, avec son public, les questions artistiques se doublent toujours de questions touchant au fonctionnement de la société et à l'organisation politique. En URSS, la Taganka a été au coeur d'une problématique de la mémoire. L'oeuvre que louri Lioubimo à réalisée à la Taganka de 1964 à 1984, en rassemblant autour de lui une pléiade de grands écrivains et compositeurs, le scénographe David Boroski et une troupe unique, où jouait le chanteur-poète Vladimir Vyssotski, a représenté un espace de liberté authentique dans le contexte de la stagnation brejnévienne. Elle peut aussi constituer un instrument de réflexion pour la scène d'aujourd'hui.

45,50 €

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Matthias Langhoff ; Collectif

·       Éditeur :  

Editions CNRS

·       Pages :

414 pages

·       ISBN / EAN :

9782271052377

·       État : 

NEUF

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RÉSUMÉ:

Matthias Langhoff est un metteur en scène radical dans ses options, hardi dans ses réalisations, aimant bousculer les normes traditionnelles du théâtre. L'humour ravageur de cet artiste hors du commun sape toutes les conventions. Mais ses trouvailles les plus séduisantes comme ses inventions les plus saugrenues s'allient à une recherche dramaturgique rigoureuse, à une maîtrise absolue des moyens scéniques. Langhoff nous rend proches le monde grec ou élisabéthain, il nous fait revisiter Büchner ou redécouvrir O'Neill, il décrypte H. Müller, il parle du monde d'aujourd'hui. Il surprend, il subjugue ou il irrite, il incite le spectateur à une nouvelle forme d'écoute, où les mots ne sont plus seuls à conduire le récit, car les images et les sons ont tout autant d'impact. En retraçant son itinéraire depuis ses débuts brechtiens au Berliner Ensemble avec Manfred Karge, jusqu'à sa récente présentation de Désir sous les ormes à Nanterre-Amandiers, on cerne dans cet ouvrage, aidé par une abondante illustration, un processus de création fondé sur le concret, sur des idées-force traduites plastiquement dans des scénographies singulières. Recréant la vérité des comportements humains dans des situations de malaise et de déséquilibre, il propage cependant un plaisir ludique.

 

AUTEUR(S) :

Matthias Langhoff, metteur en scène et scénographe, a baigné dans le milieu du théâtre dès l'enfance : son père, Wolfgang Langhoff était acteur et directeur du Deutsches Theater ou naquit le Berliner Ensemble de Brecht. De 1963 à 1984, il fit, en collaboration avec Manfred Karge, des mises en scène très remarquées en RDA et en RFA. Directeur du Théâtre Vidy-Lausanne de 1988 à 1991, il est depuis plusieurs années installé en France

52,00 €

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L'oeuvre D'art Totale Denis Bablet

·       Éditeur :  

Editions CNRS

·       Pages :

369 pages

·       ISBN / EAN :

9782271053411

·       État : 

NEUF

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Oui – Disponible

 

RÉSUMÉ:

L’imagination créatrice des hommes de théâtre est hantée par la collaboration des arts, synthèse ou union fraternelle de la poésie et de la musique, exprimée dès la Renaissance, développée avec le drame en musique puis l'opéra, poursuivie au XVIIIe siècle, incluant finalement la danse, les arts plastiques, l'architecture. Mais c'est avec Wagner et ses émules européens qu'une conception nouvelle de cette union des arts a été formulée, au fil d'une lente évolution intellectuelle du compositeur. Elle a influencé une grande part de la création artistique, s'est trouvée au centre de débats passionnés entre tenants et opposants de ce que l'on a appelé « l’œuvre d'art totale » ou, plus fidèlement peut-être, « l’œuvre d'art commune ».

Ce concept n'exprime plus une simple union ou réunion des arts de la scène, mais leur fusion organique d'où doit renaître une expression dramatique retrouvant la perfection originelle du drame eschylien et rompant définitivement avec l'opéra traditionnel. 
Mais par delà le drame en musique, les conceptions wagnériennes eurent un impact essentiel sur le théâtre et sur les arts plastiques. De ces principes, d'ailleurs évolutifs, les artistes et dramaturges du XXe siècle ont réalisé des transpositions nombreuses et variées, plus ou moins fidèles à la pensée du maître, mais sources d'un renouvellement profond des pratiques scéniques. Et le mythe fondateur de « l’œuvre d'art totale » continue de nourrir aujourd'hui les utopies artistiques.

71,00 € 2

60,00 €

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  • SOUS 48 H1

Mises en scène d'Allemagne(s) de Didier Plassard et Collectif

 

·       Éditeur :  

Editions CNRS

·       Pages :

383 pages

·       ISBN / EAN :

9782271073457

·       État : 

NEUF

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Oui – Disponible

 

RÉSUMÉ:

Depuis plusieurs décennies, la scène allemande est l'objet d'une fascination sans équivalent dans le monde. En France tout particulièrement : à peine remis de l'"éblouissement" (Roland Barthes) du Berliner Ensemble, le public a pu découvrir, dès les années 1970, une nouvelle génération de metteurs en scène qui renouvelait profondément les modes de travail et les enjeux de la création théâtrale. D'autres depuis ont suivi sans discontinuer, au point que l'exceptionnelle vitalité de ce paysage artistique apparaît toujours comme un modèle et un point de référence obligé. Pourtant, on pourrait reprendre mot pour mot, aujourd'hui, le jugement formulé par Bernard Dort en 1981 : "Sans doute une des raisons du rapport ambivalent que les Français ont au théâtre allemand vient-elle de leur méconnaissance ou, du moins, de leur connaissance fragmentaire, à éclipses, de celui-ci". Trente ans plus tard, en effet, ce que nous savons de ce théâtre reste parcellaire. Bien qu'il soit toujours plus présent sur nos scènes, il n'existe aucun ouvrage d'ensemble pour mettre en perspective les oeuvres de ses metteurs en scène, éclairer leurs choix et analyser leurs conditions de production. C'est ce manque que le présent ouvrage se propose de combler, avec une traversée de plus de quarante ans de créations théâtrales majeures, choisies parmi celles qui ont renouvelé les modes de travail et marqué les mémoires. Replacés dans leur contexte de production, examinés à partir d'enquêtes minutieuses dans les archives, les spectacles, étudiés selon les principes des "Voies de la création théâtrale", font l'objet d'analyses approfondies qui restituent toute la complexité de leurs enjeux et la variété de leurs modes d'élaboration. Réalisé par une équipe de chercheurs internationale, ce volume entend tout à la fois élargir le regard porté sur les scènes d'Outre-Rhin et lui donner une plus grande précision, par le croisement d'approches globalisantes et d'examens détaillés. On y trouvera donc aussi bien l'étude du paysage économique et institutionnel, un aperçu des modes de travail, l'histoire de certains établissements ou le parcours de quelques personnalités que la focalisation sur des réalisations emblématiques. De Stein à Ostermeier, de Grüber à Marthaler, de Peymann à Richter, de Zadek à Castorf, de Schleef à Pollesch, Rimini Protokoll et bien d'autres encore, ce sont ainsi deux générations de maîtres de la mise en scène dont les productions sont ici présentées.

59,00 €

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Les voies de la création théatrale, numéro 21 : La scène et les images de Collectif et Béatrice Picon-Vallin

·       Éditeur :  

Editions CNRS

·       Pages :

403 pages

·       ISBN / EAN :

9782271058942

·       État : 

NEUF

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Oui – Disponible

 

RÉSUMÉ:

Depuis les années soixante-dix, marquées par l’éblouissement produit par Le Regard du sourd de Robert Wilson, venu des USA, et par les recherches moins médiatisées des avant-gardes italiennes, on parle de « théâtre-image » ou de « théâtre d’images ». Mais dès le début du XXe siècle déjà, l’image est envisagée comme une des composantes de la mise en scène, art nouveau et problématique dès son émergence. Le metteur en scène, « l’artiste du théâtre », est défini par les grands réformateurs tels Edward Gordon Craig, Vsevolod Meyerhold ou Antonin Artaud comme un créateur d’images, fonction qu’ils différencient et de l’illustrateur et du peintre-décorateur. À partir d’un corpus de spectacles relatifs au dernier tiers du XXe siècle où le(s) théâtre(s) semble(nt) répondre aux interrogations et aux désirs des grands visionnaires des toutes premières décennies, cet ouvrage collectif analyse ce qu’on peut entendre par image au théâtre. Il interroge les rapports entre texte, son, image dans la mise en scène, les relations étroites que l’image scénique entretient avec les arts plastiques et avec le cinéma qui s’est développé en même temps que la mise en scène et a modifié le regard du public, chargé sa mémoire. L’image scénique est découpée, élaborée par le traitement de l’espace – dématérialisation, verticalisation, rendu –, le jeu de l’acteur – composition plastique avec les éléments du dispositif. L’utilisation toujours plus performante de la lumière remplace la couleur, la rend mouvante, cadre et recadre le jeu. Elle va de pair avec un traitement du son, lui aussi de plus en plus sophistiqué. L’image scénique s’approprie les images projetées ou diffusées que le plateau n’a pas hésité à utiliser dès le début du siècle, images fixes ou mobiles dont la vidéo rend l’usage plus souple et inventif. Mis en crise mais souvent magnifié par l’image et la mise en scène, le texte peut être soumis à un nouveau traitement : les technologies qui n’en sont qu’à leur début permettent au metteur en scène de l’écrire sur le plateau et au public de le lire de multiples façons tout en le regardant comme une image – typographie, surfaces de projection, couleurs. Le rapport aux technologies peut être direct ou oblique, et la scène les détourne souvent au service du théâtre.

L’image scénique selon Craig devait « dépasser la parole », dévoiler, dans une suite de visions, la pensée. Là était la force de l’image au théâtre. Dans le monde d’aujourd’hui où dominent le « visuel » et la simulation, les images scéniques se sont transformées, elles interrogent notre capacité à voir, à travers une esthétique de la saturation où tous les stades de l’histoire du regard sont convoqués. Ou bien elles construisent une dramaturgie de la vision pauvre, raréfiée, pour contraindre le spectateur à ré-imaginer le monde…

46,65 €

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Les voies de la création théâtrale, tome 18 : Tadeusz Kantor, 2 de Bablet

·       Éditeur :  

Editions CNRS

·       Pages :

403 pages

·       ISBN / EAN :

9782271058553

·       État : 

NEUF

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RÉSUMÉ:

Ce second volume consacré à l'artiste polonais Tadeusz Kantor paraît trois ans après sa mort. Il consacre sa célébrité et ses ultimes créations. La biographie de Tadeusz Kantor, tout à la fois metteur en scène, scénographe, auteur, peintre, se confond avec son œuvre. Sa démarche, si radicale, soumet la création aux tourments d'une mémoire hantée par tous les cataclysmes et tous les massacres de ce siècle. Et la scène kantorienne ne fait sans cesse qu'évoquer, pour ces jeux du souvenir et de la mort, les visages familiers de l'enfance, surgis à l'arrière-plan des tableaux animés qui racontent les destins brisés. Mais ce créateur de rêves éveillés et de farces macabres, cet inventeur d'images et d'espaces est tout autant un théoricien attentif aux courants croisés des arts de la scène et des arts plastiques, qu'il réoriente selon son génie propre. Les textes ici réunies, dix années après le premier grand recueil de travaux consacrés à Tadeusz Kantor, font une large part aux écrits de l'artiste, théoriques, autobiographiques ou dramatiques ; ses dernières œuvres, de même que ses thèmes obsédants d'une inspiration unique parmi les artistes de cette seconde moitié du XXe siècle, sont l'objet d'études éclairantes appuyées par une vaste iconographie de ses derniers spectacles, de ses dessins et de ses peintures.

69,00 €

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Le Rock : Aspects esthétiques, culturels et sociaux de Collectif

·       Éditeur :  

Editions CNRS

·       Pages :

244 pages

·       ISBN / EAN :

9782271051783

·       État : 

NEUF

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RÉSUMÉ:

Style musical aux nombreux genres et courants, aux multiples utilisations, le rock est un phénomène esthétique, culturel et social tout à fait original et exemplaire de nos sociétés. Il désigne aussi une façon d'être, de sentir, de vivre, une attitude. Le spectacle rock est devenu véritable mise en scène : l'ampleur et la débauche des lumières, leurs fonctions symbolique, picturale, architecturale se combinent à la violence des sons, créent des images fulgurantes, des décors fugitifs et majestueux. Les éclairages cernent et amplifient maquillages, gestuelle, chorégraphies, costumes. Ainsi le son "rock" est-il aujourd'hui indissociable de l'univers d'images qui l'accompagne. Mais l'histoire du rock ne se limite pas à l'évolution d'une esthétique. Les innovations technologiques transforment, sous l'impulsion des musiciens eux-mêmes, l'expression musicale rock. La multiplication des supports et du matériel de lecture, l'industrie du disque renforcent et consacrent la popularité du rock, mais en font désormais une marchandise, un produit culturel qui va s'intégrer dans la société de consommation, en être même parfois le moteur. La musique rock, manifestation de la contre-culture n'échappe pas aux lois de rentabilité des industries culturelles. Musique essentiellement populaire, le rock est à certains moments de son histoire élément de rébellion. Il contribue à l'expression de combats politiques : l'Angleterre des années 70 avec le mouvement punk et les Clash, le rock russe des années 80 dans l'ex-Union soviétique en témoignent. Mais le rock est aussi moyen d'insertion : à partir de 1981, en France, on ne considère plus le rock comme une contre-culture mais comme une culture qui concourt à la socialisation de la jeunesse. Quant aux médias, ils se font l'écho amplifié du rock, véhiculent et se renvoient son image. Peu de travaux sociologiques s'attachent au phénomène du rock. Les analyses réunies dans ce volume brossent le portrait à la fois sensible et objectif d'un art musical qui imprègne profondément l'imaginaire d'une époque.

69,00 €

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